《艺术的故事》读书笔记
导论—论艺术和艺术家
左右我们对一幅画的爱憎之情的往往是画面上某个人物的表现手法，我们首先必须学会理解他的绘画手法，然后才能了解他的感情。
如果我们看到一幅画画的不够正确，那么要思考两个问题，一个是艺术家是否无端的改变了他所见的事物的外形。另一个问题，在没有证明自己的看法是正确的时候，就不能指责一幅画画的不正确。
如果我们能把过去听说的青草蓝天之类的话抛之脑后，好像从其他星球上起航探险一样，初次面对这个世界，就能发现世间万物大可具有出人意料的色彩。艺术家们在进行这样的航行探险，他们重新观察这个世界，把公认的观念和偏见完全抛开，他们教会我们在大自然中看到做梦也没有想到的新奇美景。
艺术家设计画面画速写，考虑他的画面是否完工时，困扰他的事情难以用语言表达，他会纠结画的“合适与否”，我们必须首先理解他用合适这个谦抑的词寓意何在，才能开始理解艺术家的真实追求。
斟酌形状和颜色的奇妙感受，但是又无法准确的讲述自己在追求什么样的和谐。
在某些时期，确实有一些艺术家和批评家想方设法总结他们的艺术法则，然而关于那些法则，低手庸才试图循规蹈矩却一无所获，而艺术大师离经叛道却能获得前所未闻的和谐。
奇特的起源（史前）
如果不了解过去艺术必须为什么目的服务，也就很难理解过去的艺术。
原始时期，绘画和雕塑时用来行使巫术的，他们不把画当做美好的东西去鉴赏，而是当作富有威力的东西去使用。
整个艺术的发展史不是技术熟练程度的发展史，而是观念和要求的变化史。（所以当你站在一个艺术品面前，面对的其实是是一个时代）
史前艺术家既能敏锐的观察自然形状，又能无视我们所谓的事物的真实外形。
追求永恒的艺术 ——（埃及，美索不达米亚平原，欧洲克里特岛）公元前七世纪到五世纪
埃及-----古老的信仰影响着整个埃及艺术史，在埃及，雕刻家的起初含义就是“使人生存的人”。灵魂要继续生存就需要保存尸体和和肖像，所以会有装饰陵墓的墙壁，金字塔和木乃伊。几何形式的规整和对自然的犀利观察，将两者结合起来是一切埃及艺术的特点，无论哪一个事物他们都从他最具有特性的角度去表现。
埃及艺术有强烈的秩序感，服从同一个法则。（构图上元素排布上的和谐，坚实的轮廓和平衡的构图）
美索不达米亚-----不同的信仰和不同的先天地理条件，致使不同区域艺术品的内容和材料不同。美索不达米亚热衷于树立纪念碑，从这些纪念碑的内容可以看出，信奉图像的威力这个观念还在影响树碑的人。
伟大的觉醒 ——（希腊，公元前七世纪到公元前五世纪）
希腊统治者未曾迫使也无力迫使全民族给他们个人当牛做马。（希腊历史上有很多城邦，雅典卫城斯巴达之类的）
埃及人以知识作为他们的艺术基础，而希腊人开始使用自己的眼睛了。在埃及艺术的基础上，但不再是学习一个现成的公式去体现人体。
一旦艺术家开始信赖自己看到的情况，一场巨变就爆发了。
希腊艺术的改变意味着艺术家的目标不再是把所有的东西都用最一目了然的形式画入图中，而是着眼于他观察物体时的角度。
希腊艺术的革命，自然的形状和短缩法的发现，产生在人类历史上无与伦比的处处震撼人心的时代，就在那个时代，希腊各个城市的居民开始怀疑关于神邸的古老遗教和传说，并且毫无成见的去探索事物的本性。就是在这个时代科学和哲学第一次在人们中间觉醒。在雅典的民主政体达到最高程度的时代里，希腊艺术发展到了顶峰。
帕台农神庙（多立安式风格）的建筑雕刻------这位艺术家保留了布局的才智，希腊艺术的这种才智来自埃及人，来自伟大觉醒时期之前在图案方面的训练，正是这种可靠的技艺，保证了帕台农神庙饰带的每一个细部都是这样清晰合适。
正是严格的循规蹈矩和寓变化与规矩之中二者达到平衡，使得希腊艺术在后来世纪中博得了那么大的赞美。
苏格拉底：艺术家应该准确的观察感情支配人体动态的方式，从而表现出心灵的活动。
美的王国 ——（希腊和希腊化世界，公元前四世纪至公元前一世纪）
五世纪末，越来越多的人开始赏识艺术作品本身的诱人之处，不再是仅仅赏识他们有宗教或政治作用了。
厄瑞克特翁神庙（爱奥尼亚式建筑）
希腊艺术把自然理想化，但是在程式化的外形下注入了活力，类型化的形象和具体形象之间取得了一种新的平衡。
亚历山大时期（亚历山大帝国统治希腊时期）希腊化世界
科林斯建筑风格（装饰性更强更华丽）
雕塑上更加追求强烈戏剧化的效果（拉奥孔群像）
希腊化时期艺术已经逐渐失去他自古以来和巫术和宗教之间的联系，艺术家变得单纯为了技术而技术。（这个时期有钱人开始收集艺术品）艺术的题材也更加丰富，静物画，动物画甚至风景画，这是希腊化时期最大的革新。
天下的征服者 ——（罗马人，佛教徒，犹太人和基督教）一世纪到四世纪
宏伟即罗马（罗马人统治希腊后）。罗马人最大的贡献是土木工程，罗马建筑的最重要特点是拱。
罗马人是一个讲求实事求是的民族，对幻想的东西不大感兴趣，艺术在这个时期的主要目标已经不再是和谐，优雅和戏剧性，罗马更注重于准确表现全部细节和清楚的叙事。
犹太人，禁止制像，以免偶像崇拜。形象越逼真，就越要触犯禁止图像的圣训，这个时期艺术家力图把故事叙述的尽可能的简明。
基督教的兴起标志着古代社会的结束。
十字路口——（罗马和拜占庭，五世纪和十三世纪）
公元311年，君士坦丁大帝确定基督教做为国教。
巴西利卡教堂
反对图像崇拜的教义，和传播教义的需要之间的冲突。
格列高利教皇：文章对识字的人能起什么作用，绘画对文盲就能起什么作用。艺术在这一时期的发展受到限制。为满足宗教需求，就必须把故事讲的尽量的简明，凡是有可能分散对这一神圣主旨的注意力的，就应该省略。一甩继续使用在罗马艺术中发展成功的叙事方式，但是慢慢的越来越注重故事的核心精义。由于基督教强调清晰显明，于是埃及人表现一切物体都以清晰为重的思想又强有力的抬头了。（遵循严格的制像规则）
向东展望——（伊斯兰教国家，中国，二世纪至十三世纪）
伊斯兰教制像是犯法的，由于不允许表现人物，就摆弄各种图案和形状——阿拉伯式图案。中国是第一个不把作画当作一个卑贱职业的国家，中国的艺术家喜欢弯曲的弧线。
西方美术的融合——（欧洲六世纪至十一世纪）
罗马帝国崩溃后战乱的黑暗时期。中世纪
北欧入侵（北方条顿部落，哥特人，汪达尔人，撒克逊人，丹麦人，维京人，估计就是现在荷兰，波兰，丹麦及其以北的区域）
埃及人画他们知道确实存在的东西，希腊人画他们看到的东西，中世纪，艺术家还懂得在画中表现他感觉到的东西。他们要忠实的向教友们表述宗教故事的内容和要义。他们并不是一心一意要创造创作真实写照，也不是要创造优美的东西，他们是要忠实地向教友们表述宗教故事的教义。传达虔诚以及宗教的威慑力。（希腊人发现了表达心灵活动的艺术）
战斗的基督徒——（十二世纪）
建筑风格——诺曼底风格罗马式风格，石头建筑，标志性尖顶，装饰性很少。
一旦艺术家最终彻底绝念于把事物表现成我们眼见的样子，他们的面前将会呈现多么伟大的前景。在这个时期艺术家可以不用空间错觉，也不用任何戏剧化的动作，他就能用纯粹装饰性的方法来安排任务和形状。绘画的确倾向于变成一种使用图画的书写形式，然而这种简化手法的恢复，却给了中世纪艺术家一种新的自由，去放手实验更复杂的构图（composition—即放在一起的意思）形状如此，色彩也是如此，艺术家不用非要模仿自然界的世纪色调层次。正是由于摆脱了模仿自然界这一束缚，获得了自由，他们才能传达出那种超自然的观念。
胜利的基督徒——（十三世纪）伟大的主教堂世纪
法国北部产生了新的建筑思想，即哥特式风格原理——石头和玻璃构成的建筑（尖拱，飞扶垛分担承重主墙的重量，花饰窗格）巴黎圣母院！！
建筑中的雕像：公元前五世纪的希腊人主要关心怎样构成躯体美丽的人像，而哥特艺术家要达到的目的是把故事讲述的令人信服，让信徒从中汲取安慰和教诲。中世纪的艺术家是在勾画一个程式化的人物形象。
意大利，以拜占庭艺术为根基。拜占庭帝国即东罗马帝国，地理上有希腊的版域，拜占庭艺术并没有完全摒弃希腊化艺术。拜占庭艺术使意大利人得以跳过分割雕刻和绘画的障碍。
乔托迪邦多纳，重新发现了在平面上制造景深的视觉艺术。在乔托之后，先是在意大利，后来又在别的国家，艺术史就成了伟大艺术家的历史。
朝臣和市民——（十四世纪）
当欧洲从人烟稀少农民聚集的大陆，发展成富饶的贸易中心，市民逐渐摆脱了基督教和封建领主的权利约束。十四世纪的风格趋向于风雅而不是宏伟。
建筑风格，早期英国式（纯哥特式）和盛饰式
十四世纪艺术家喜爱优雅精巧的细节，优雅的叙述和真实的观察逐渐融合。
小皮得帕勒尔，真正的自制肖像，肖像艺术在这个时期发展。
十四世纪末，通过各地交流而兴起的艺术风格叫国际式风格。（威尔顿双联画）
国际式风格观察自然，爱好精巧美好的事物。
这个时期艺术家的兴趣已经发生转移，已经从最佳方式尽可能清楚生动的描述宗教故事转移到了以最忠实的方法去表现自然。
标志着中世纪艺术的结束，接下来就是文艺复兴时期！！
征服真实——（十五世纪初期）
文艺复兴（renaissance）一词的原意是再生或复活，这种再生的观念从乔托的时代就开始在意大利发展起来。
意大利佛罗伦萨（但丁，乔托，菲利波布鲁内莱特斯基）
布鲁内莱特斯基是文艺复兴式建筑的创始人，也是他发现了透视法（短缩法是观察，透视法是数学原则）
在文艺复兴时期的大师们看来，艺术中的新方法和新发现本身从来不是最终的目标，他们总是能使用哪些星犯法和发现使题材的含义进一步贴近人们的心灵。
马萨乔 多纳泰罗（雕刻家）
北方城市
杨凡艾克。（油画的发明者）
《阿尔诺菲尼的订婚式》在这幅画中艺术家在历史上第一次成为一个真正的目击者
以表现花朵珠宝织品发热美丽外观为主的可能是北方城市艺术家的作品，以鲜明的轮廓线，清晰的透视法，美丽的躯体的风格的，大概是意大利的绘画作品。
传统和创新——（北方各国，十五世纪）
北方艺术并不像意大利艺术那样一心一意达到理想和谐与美丽，而是喜爱日益盛行的再现生活的艺术类型。
罗吉尔凡德尔韦登，把哥特式艺术的主要观念转换为新颖逼真的风格，图案清晰的古老传统有很大一部分被它保存下来了。
十五世纪中叶，德国发明印刷术
盛世文艺复兴时期
背景：城市独立性和自豪感增强，激励艺术家你追我赶；伟大的发现时期，意大利艺术家借助于数学去研究透视法则，借助于解剖学去研究人体。他名副其实的成为一个艺术家，如果不去探索自然的奥秘，不去研究自然的深邃法则，就得不到美名和声誉；在这个时期，伟大的艺术家接受委托给他们的工作，是对富有的君主或者当权者的赏脸，这样艺术家能选择他们喜爱的差事，不再需要迁就雇主，艺术家地位的抬升，起到了一种解放的作用，释放出大量的被压抑的创作才能。艺术家终于获得了自由。
文艺复兴时期的建筑：这个时期的艺术家渴望的是建造神庙和凯旋门，而往往委托给他们的事城市宅邸和教堂。这个时期的建筑家仍然希望是在设计一座建筑时不考虑它的用途，但除考虑建筑的比例美，内在结构宽阔和整体的雄伟壮丽。
多纳托布拉曼特，新圣彼得教堂，引起了宗教改革运动。用于进取的精神是盛期文艺复兴时期的特点。在1500年前前后诞生了一批世界上最伟大的艺术家。在他们心中没有办不到的事情。
莱奥纳尔多达芬奇。
他认为艺术家的职业就是要像他的前辈那样去探索可见世界的奥秘，只是要更加全面更加彻底，而且要更加专心更加精确。他对学者的书本知识并不感兴趣，跟莎士比亚一样，他大概也也是“大概不懂拉丁语，希腊语更差”，当大学里的博学之士心来想有盛誉的古代作者的权威性之时，莱奥纳尔多却不盲从仅仅耳闻而未经目验的东西。每当他遇到问题，他不依赖权威，而是通过实验予以解决。自然界里没有一样东西不能引起他的好奇心，没有一样东西不能激发他的创造力。
“一旦亲自解决了一个问题便会对那个问题失去兴趣，因为还有许许多多的别的奥秘要去探索”
在他看来，所有那一切对自然的探索，主要仍是寻求他在艺术中所需要的关于视觉世界的知识的手段。
《最后的晚餐》
《蒙娜丽莎》画家必须要给观众留有猜想的余地，渐隐法（sfamato）——模糊不清的轮廓和柔和的色彩使得一个形状融入另一个形状之中，给我们留下想象的余地。
米开朗基罗
专注于人体的探索，被认为在精通人体上达到了巅峰。
《西斯廷礼拜堂天顶画》——天顶画上那些人体形象表现了米开朗基罗能够以任何一个姿势从任何一个角度去画人体的全部技艺。局部《创造亚当》
人们感觉到他是多么欣赏自己的伟大技艺，当他受到阻挠不能用自己心爱的材料进行工作的时候，他的失望和愤怒是怎样激励他更加奋发前行，向他的对头表明，如果他们要逼迫他作画，好吧！就画给他们看！
《尤里乌斯二世陵墓雕像》
名震遐迩，他的盛名好像开始成为他的灾难，越来越多的人急于委托这位大师为他们工作，然而他却越来越隐退避世，严守一己。他不仅使人赞扬，还使人畏惧，因为他脾气很大，不论高低贵贱。
《圣彼得教堂的穹顶画》
他拒绝接受给他最后一件伟大作品的报酬。
拉斐尔
用完美和谐的构图表现自由运动的人物形象
乔尔乔内
风景本身不再是作为单纯的背景，他不是勾画出人和物，然后再布置到空间中，他把大地空气光和云都想象成了一个整体，这是向新领域的一大步。从此，绘画就不仅仅是素描加色彩，它成为一种有其独特奥妙法则和手段的伟大艺术了。
提香
高超的驾驭色彩的能力使他能够无视久负盛名的构图规则，而是依靠色彩去恢复被他拆散了的整体。
新知识的传播——（德国和尼德兰，十六世纪初）
回顾总结意大利艺术家在文艺复兴期间的成就：透视法发现，解剖学的知识，古典建筑的形式。这些成就对阿尔卑斯山脉以北的国家带来新的冲击，在这冲击下，看看他们是如何肯定自己，如何屈服，反映的差异取决于他们性格的强弱和眼界的广狭。
任何一个真正的艺术家不然会感到迫切的需要全面理解新的艺术原理，并且对他们的实用性做出自己的判断。
丢勒
格吕内瓦尔德
一个艺术家确实能做到即伟大又不先进，因为艺术的伟大并不在于有新的发现。（在潮流中保持了清晰的个人目的）
艺术的危机——（欧洲十六世纪后期）
南方
手法主义
莱奥纳尔多·达芬奇的博大精深，米开朗基罗的宏大雄伟，拉斐尔的优雅妩媚，提香的自由奔放，凝聚了文艺复兴盛期的伟大特征，也为西方艺术的未来发展提出了难以应对的挑战。依据历史教科书的说法，这些大师身后的时代即是文艺复兴晚期。所谓晚期就是艺术开始衰微的时期，艺术家们浮浅地模仿前辈大师而没有自己的创见。这个时期大概延续了75年，直到巴洛克时期。这75年间的意大利艺术，史学家给了它一个统一的名称，叫做手法主义时期。其主要特点是追求怪异和不寻常的效果，例如以变形和不协调的方式表现空间，以夸张的细长比例表现人物等
忙碌的追求创造比前人更加有趣更加不凡的作品。
丁托列托
当他已经传达出传奇画面的景象时，他就认为自己的作品完成了，进行一番圆润仔细地修饰不能引起他的兴趣，因为那样对他的意图无用，还有可能分散我们对这个戏剧性事件的注意力。
格列柯（克里特岛，印象深刻）
蔑视自然的形状和色彩已达到戏剧性的场面。作品《揭开启示的第五印》。现代派艺术家告诉我们不要用同一个正确性标准去衡量所有的艺术品，这时格列柯的艺术才得到理解。
北方
宗教改革运动引起的艺术危机。反对制像。
霍尔拜因
英国宫廷画师 肖像画
他不想突出自我去转移人们对被画者的注意力，正是这种高明的自我克制，我们才对他加以高度的赞誉。
尼德兰
勃鲁盖尔风俗法 。描绘农民及下层生活状态，用来暴露人类的愚蠢。？？？在乡村生活中，人性较少伪装。
视觉和视像——（欧洲的天主教地区 十七世纪前半叶）
巴洛克风格
巴洛克（—Baroque）此字源于西班牙语及葡萄牙语的“变形的珍珠”(—barroco)。作为形容词，此字有“俗丽凌乱”之意。欧洲人最初用这个词指“缺乏古典主义均衡特性的作品”，它原是18世纪崇尚古典艺术的人们，对17世纪不同于文艺复兴风格的一个带贬义的称呼，现今这个词已失去了原有的贬义，仅指17世纪风行于欧洲的一种艺术风格。
虽然“巴洛克”直指缺乏古典均衡性的艺术作品，但其实巴洛克艺术家，与文艺复兴的前辈相同，都很重视设计和效果的整体统一性，巴洛克风格以强调“运动”与“转变”为特点，尤其是身体和情绪方面的，同时，巴洛克也是对矫饰主义的一种反动。
十七世纪欧洲强权扩张，掠夺海外殖民地累聚巨富，生活上提倡豪华享受，因此对建筑、音乐、美术也要求豪华生动、富于热情的情调。十七世纪欧洲有新旧教的权力之争。旧教势力用暴力镇压信徒，再积极利用艺术思想形态──巴洛克，去迷惑﹑征服人心。巴洛克艺术不排斥异端的感官喜悦，亦忠实于基督教的世界观，故亦是“基督教化的文艺复兴”。
概括地讲巴洛克艺术有如下的一些特点：首先是它有豪华的特色，它既有宗教的特色又有享乐主义的色彩；二是它是一种激情的艺术，它打破理性的宁静和谐，具有浓郁的浪漫。
主义色彩，非常强调艺术家的丰富想象力；三是它极力强调、运动，运动与变化可以说是巴洛克艺术的灵魂；四是它很关注作品的空间感和立体感；五是它的综合性，巴洛克艺术强调艺术形式的综合手段，例如在建筑上重视建筑与雕刻、绘画的综合，此外，巴洛克艺术也吸收了文学、戏剧、音乐等领域里的一些因素和想象；六是它有着浓重的宗教色彩，宗教题材在巴洛克艺术中占有主导的地位；七是大多数巴洛克的艺术家有远离生活和时代的倾向，如在一些天顶画中，人的形象变得微不足道，如同是一些花纹。
卡拉奇（折衷主义）
卡拉瓦乔（自然主义）
无论美不美都要描绘现实。（这里美不仅是视觉上的形体美，还有描绘痛苦的场面，情绪，这些在卡拉瓦乔眼中不该被理想化掩盖）巴洛克
克罗德
鲁本斯
委拉斯凯兹
自然的镜子——（荷兰 十七世纪）
受宗教影响，肖像画是画家的主要收入来源。
那些对肖像画不感兴趣的艺术家打消了依靠应邀作画谋生的念头，他们开始先作画然后去寻找买主。一方面由于拜托了那些干预他们工作，有时还会欺辱他们的赞助人，艺术家还会感到高兴。但是为这种自由付出了高昂的代价。因为艺术家现在不得不与之周旋的不再是一个单独的赞助人，而是一个更为残暴的主人——市场的公众。
十七世纪绘画出现专门化倾向。
伦勃朗--- 孤独的造反者
当他达到了他的目的时，就有权利宣告一幅画已经完成。他珍重真实与诚挚胜过和谐与美（书中的美不单是外形线条的美，还有主题，譬如贫穷饥饿和眼泪都不美，高贵的画要画高贵的题材高贵的人物）
实际的悲剧是单靠声誉本身并不足以维持生计。
反映在艺术中的自然总是反映了艺术家本人的内心，嗜好，乐趣，从而反映了他的心境。
静物画分支 可见世界的纯粹之美。
权利与荣耀——（意大利十七世纪后期至十八世纪）
十七世纪中期巴洛克风格充分发展起来了
建筑：漩涡饰和曲线 一场放纵的装饰活动中。
雕塑
舞台化装饰的最高艺术家贝尔尼尼
《圣德列萨祭坛》
理性的时代——（英国法国十八世纪）
在十八世纪，英国的制度和英国的趣味成为所有追求理性规则的欧洲人一致赞扬的典范，因为英国艺术并没有用来加强那些神话的统治者的权利和光荣。
每一个时代和每一个社会在艺术和趣味问题上都有它的偏见，现在也不例外。
贺佳斯
雷诺兹
传统的中断——法国大革命（根源在于理性时代）
又称法国资产阶级革命，是1789年7月14日在法国爆发的革命，统治法国多个世纪的波旁王朝及其统治下的君主制在三年内土崩瓦解。法国在这段时期经历了一个史诗式的转变：过往的贵族和宗教特权不断受到自由主义政治组织及上街抗议的民众的冲击，旧的观念逐渐被全新的天赋人权、三权分立等的民主思想所取代。
法国大革命（根源在于理性时代在以前的时代里，时代的风格就是指做事的方式，事情之所以要那样做是因为人们认为那是达到某些预期效果的最佳方式。到理性时代，人们对风格其物和各种各样的风格已经开始有所觉悟。那是人们具有自我意识的最初信号。（即“为什么”）
艺术题材的变化 以及展览沙龙的出现
艺术家觉得有自由把他们的个人幻象画在纸上，以前只有诗人会这么做。
戈雅 威廉布莱克 特纳 康斯特布尔
持久的革命——（十九世纪）
工业革命的冲击
是指资本主义工业化的早期历程，即资本主义生产完成了从工场手工业向机器大工业过渡的阶段。工业革命是以机器取代人力，以大规模工厂化生产取代个体工场手工生产的一场生产与科技革命。
传统中断时期给艺世家打开了无边无际的选择范围。
性格和信条允许他们去循规蹈矩满足公众需要的艺术家跟以自我孤立为荣的艺术家之间的分裂。
工业革命的崛起和手工艺的衰落，缺乏传统教养的有产阶级的崛起，残次品的生产冒充艺术，公众的审美趣味受到了严重破坏。
艺术家跟公众之间开始互相不信任。在得意的企业家看来艺术家和拿着很难卖出的地道货漫天要价的骗子差不多。而打掉有产阶级的得意感使他们茫然无所适从，是当时艺术家的消遣方式。这个时期艺术家开始把自己当成特殊人物，留长发蓄胡子，强调自己蔑视“体面的习俗”。（哈哈哈哈哈）这种情况很难说是健康的，但也是不可避免的。
那种出卖灵魂迎合缺乏趣味者之所好的艺术家迷路了。同样迷路的还有一种艺术家，他夸大的宣扬自己的处境，仅仅因为他的作品根本找不到买主就认为自己是天才。这是对于意志薄弱者而言的。
这个时期大概艺术还是第一次真正成为表现个性的手段。（没有选择就没有表现）
认为艺术的真正目的是表现个性的这种观念，只有在艺术放弃的其他目的之后，才能被人接受，随着时间的变化，艺术表现个性已是即合理又有意义的讲法，表演平常的技艺已经非常普通不能再吸引人了，他们想要通过艺术去接触一些值得结识的人——那些在作品中展现出真诚不移的人，那些不满足于邯郸学步，先问是否有违艺术良心然后再去下笔的艺术家。
法国大革命之后，艺术一词在我们心中有了不同的含义，而十九世纪的艺术史不是最出名最赚钱的艺术家的历史，反之，我们却把这个时期的艺术史看作少数孤独者的经历，他们有胆魄有决心独立思考，无畏的批判的检验程式，从而给他们的艺术开辟了新的前景。
现实主义——题材：米勒《拾穗者》，库贝尔
印象主义者们：爱德华马奈
“所知和所见”
从埃及艺术到希腊艺术，再到文艺复兴时期，艺术家有一项一项的新发现，他们有能力呈现出可见世界中令人信服的图画，但他们没有一个怀疑过一个信条，即：世界上的物体都有明确不变的形式和色彩，置于画中，形式和色彩必须一目了然。
马奈和他的同党认为传统艺术只不过是创造一种人为的条件下去再现人或者物体罢了。（学院派式的作画方式，让模特在有光线的画室摆好姿势，利用明暗的变化画出坚实的立体感）。他们发起了一场色彩革命，在户外观察自然，我们看到的就不是各具色彩的物体，而是在我们的眼睛中头脑中调和在一起的混合色。在任何一个快速的瞬间里，我们只能把目光集中在一处，其余的地方在我们看起来其实是一堆乱七八糟的形状，我们知道他们是什么，但是我们其实并没有看到他们。（所知和所见）
莫奈：提倡了新的作画手段——一切描绘都必须在现场进行。（工业革命下的技术支持）
雷阿诺，毕沙罗
印象主义的获胜背景：工业革命下的技术支持使户外写生具备条件，十九世纪的摄影术的发现，日本彩色版画（北斋）
唯美主义运动：惠斯勒。
他更关心优雅的构图，强调关乎绘画的不是题材，而是把题材转化成色彩和形状的方式。
寻求新标准——十九世纪晚期
印象主义者把坚实的轮廓解体于闪烁的光线之中，并发现了色影。
传统规则追求坚实的单纯性和完美的平衡
塞尚（现代艺术之父）
怎样能保留这些新成就的同时又不损害画面的清晰和秩序。让印象主义成为某种更坚实更持久的东西。他力求深度感但不牺牲色彩的鲜艳，力求秩序的布局但不牺牲深度感，他牺牲的是传统轮廓的正确性，透视。
修拉：点彩法
梵高：他渴望他的画具有日本版画带来的那种纯真的冲击感。“用自由的平涂淡菜来画，就像日本版画那样”在梵高的作品中，画面是帮助艺术家传达他振奋的心情。他用色彩和形状表达出他对所画东西的感觉，和希望别人产生的感觉。
画静物时，想探索形状和色彩的关系，至于正确的透视，则以他的特殊实验所需要的程度为限。梵高想使他的画表现他的感受，如果改变形状能帮助他达到目的，他就改变形状。
高更
装饰性：绘画和版画应该在我们看清楚他的再现内容之前就向我们呈现出悦目的图案。
塞尚的发现导向了起源于法国的立体主义
梵高的发现导向了在德国引起反响的表现主义
高更的发现导向的各种形式的原始主义
实验性美术——（ 20世纪前半叶）
未来是属于当时那些决心从头做起的人的。
我们永远不能把所见和所知整齐的一分为二，被动的服从于我们所谓的感官印象这个想法实际上是荒谬的。
我认为这就是意图追随和超越印象主义者的那一代人音乐感到困难，最后促使他们抛弃了整个西方传统。
赖特——有机建筑，一座房屋必须像一个有机的生命体一样，从人们的需要和地区特点中产生。
包豪斯——功能主义，只要设计的东西符合他的目的，美的问题就随它去。
20世纪的艺术家在无休止的实验
表现主义
爱德华蒙克
表现主义者对人类的苦难贫困暴力和激情深有所感，他们倾向于认为固执于艺术的和谐与美是虚假和伪善。
艺术在这里不再是注重自然的模仿，而是通过对色彩和线条的选择去表现感情，那么就有理由去追问一下，抛开一切题材，仅仅依靠色调和形状的效果，使艺术更加纯粹。
由此发展出的一个支路是抽象艺术（探索形式上的问题）
康定斯基 神秘主义 色彩的和弦
蒙德里安 色彩和形状之间的关系
尼尔克森
亚历山大考尔德：动态雕塑
但是到了20世纪，专心于平衡和方法之谜，无论多么微妙，多么引人入胜，终究是他们感到空虚。如果兴趣既不在题材又不在形式，那么作品的目的何在呢？
我认为真正的答案是现代艺术家想要创造事物，重点在于创造而且在与事物。他想拥有一种自己已经制作出前所未有之物的感觉。不仅仅是仿拟一个实物，不管仿拟的有多精致，也不仅仅是一件装饰品，不管是多么巧妙的装饰品。而是比前两者更重要更持久的东西，是他认为比我们的无聊生活所追求的虚假目标更为真实的东西。如果我们还愿意理解这种心情，就必须回到我们的童年时代，回到我们还愿意用砖块和沙土制作东西的时候，回到我们用扫帚柄当魔杖，用几块石头当魔宫的时候。
野兽派运动
马蒂斯（新印象派，后印象派）
装饰性简化，对现代艺术的影响巨大
立体主义
毕加索
受野兽派运动的启发，较早期的艺术家是把自然的形状简化成平面图案，那也许有一种办法既能避免平面性，又能构成物体的图画而不失去立体感和深度？
克利
相信自然有创造力的艺术家认为，企图进行这种有意识的控制是错误的，应该允许作品按照他自己的规律去生长。
原始主义
高更提倡的原始主义。他感觉自己必须向后回朔，越过帕台农神庙的石马，回到他童年的木马。
亨利卢梭
夏加尔
超现实主义
玛格丽特
创造一种新的现实
达利
回到我们最初的出发点，实际上根本没有艺术其物，只有艺术家，他们是男男女女，具有绝佳的天资，善于平衡形状和色彩以达到合适的效果，更难得的是，他们是具有正直性格的人，决不肯在半途止步，时刻准备放弃所有省事的效果，放弃所有表面上的成功，去经历诚实工作中的辛劳和痛苦。
没有结尾的胜利
现代主义的胜利
施威特尔 拼贴
达达主义
杜尚 扩展了当代艺术的范畴，当代艺术之父。现在玩的都是人家玩剩下的。
波洛克
行动绘画抽象表现主义。纯粹的用色不考虑内在动机。
克兰
苏拉热
他们希望的到一种心理满足，觉得他们的作品实际上是独一无二的，是他们亲手制作的。
很多艺术家神往于他们所谓的质地（texture），一种物质感，光滑或粗糙，透明或稠密。所以他们就抛弃了普通的颜料该用别的材料。
莫兰迪
一个人不接受他所在时代的艺术，是愚蠢且徒劳的。
科技和技术高速发展下，艺术家开始回避理性和机械性的东西，才有那么多人信奉强调自发性和个性价值的神秘主义信条，人们觉得机械化和自动化生活的过分组织化和标准化，以及他们要求的乏味的盲从主义给他们带来了威胁，于是艺术成了唯一的避难所，它允许甚至珍惜任意随想和个人怪癖。
当我们看到有些人一派孩子气，不肯正视社会现实，却还在当今世界里找到了合适的安身立命的所在，我们不是也会感到某种乐趣吗，如果我们可以通过对艺术家揶揄有产阶级这一行为不吃惊，不发呆的方式来宣扬我们对此毫无偏见，这岂不是给我们增添了一种美德吗？于是技术效率界和艺术界双方达成妥协。艺术家可以退回他的个人世界，专心于他的手艺之谜，专注于他的童年梦幻。